Éste es un blog de crítica sobre cine y biografías, un espacio que te cuenta lo mejor de las películas sobre tus ídolos. Fue creado por estudiantes de periodismo, quienes te contaremos con una mirada diferente tu historia favorita. Nuestro principal interés es brindar un blog ideal para aquellos amantes del cine. Todas las semanas traeremos personajes nuevos, en esta oportunidad la historia de varios músicos serán nuestro foco de atención.
Nowhere Boy, el amor de un adolescente por sus dos madres
¿Cómo se representa el vínculo de la maternidad en un caso como el de John Lennon?
Nowhere Boy, es un filme que narra los primeros años de adolescencia de John Lennon, marcada por la educación estricta inculcada por su tía Mimí, el reclamo de su madre Julia y la rebeldía del joven que no tiene un límite a sus problemas.
A finales de la década del 50, con la explosión del Rock and Roll, que tenía como cara visible a Elvis Presley, los adolescentes de Gran Bretaña encuentran en esta música un hito naciente mezclado con rebeldía, sexo y alcohol.
En la película “Nowhere Boy” no sólo muestra los inicios musicales de John sinó un interior atormentado en la división entre el amor/desamor de dos mujeres: la madre que le abandonó y la mujer que le crió, además a la que le debe un respeto inmenso. El año en que pasa de ser un niño malcriado y respondón a un joven agradecido con lo que le han inculcado.
Los lazos maternales marcaron profundamente al incipiente cantante, esto se demostró e un artista de la talla como John Lennon. Su madre Julia lo incentivó en la música enseñándole las primeras notas del banjo y fue su musa inspiradora en muchas de las canciones. Pero así también se refleja en su conducta juvenil sobre su abandono en los primeros años de su infancia.
El psicólogo Borja Quicios de la Universidad Autónoma de Madrid, manifiesta que el vínculo emocional que se da entre la madre y el niño es muy rápido, teniendo lugar inmediatamente después del parto. Además de la madre, el vínculo afectivo puede darse con el padre, familiares directos, e incluso, con personas próximas al niño por ejemplo un tutor.
Al estar una madre ausente, va marcando en el crecimiento del niño reflejado en sus sentimientos de rechazo, el niño considera que no recibe lo que necesita por parte de la figura de apego y se siente enfadado, traicionado, defraudado y solo. A esto se le suma Conductas en el niño de riesgo para llamar la atención.
En el artículo de Edith Sánchez “Las huellas de una madre ausente” en ella asegura que la ausencia de la madre también podría estar en la raíz de muchos trastornos del sueño y de la alimentación. Es efectivamente lo que sucede en varias escenas de la película con un joven que tiene miedo a quedarse sólo.
Mimí Smith, que es la hermana mayor de Julia Stanley, luego casada con Alfred Lennon, ambos padres de John, se hizo cargo del niño a la edad de cinco años. Ha reflejado una conducta estricta, marcada con el paso de los años, demostrando un rechazo hacia la música que veía como una válvula de escape del adolescente. Mimí ayudó a comprarle su primera guitarra pero lo incentivaba a que no abandone sus estudios.
Después del fallecimiento de Julia Lennon, esto marcó profundamente al joven John que había comenzado a formar una relación con su madre. Ingresó a beber por un espacio de dos años y se vería envuelto en varias peleas. Este tipo de dificultades emocionales lo marcaron para toda la vida. Para su madre le escribió dos canciones “Julia” y “Mother”. Debido a éste hecho arma una conexión con Paul Mc Cartney, que perdió a su madre tres años atrás.
La película es del año 2009, interpretado por Aaron Johnson, dirigida por Sam Taylor Wood, siendo su debut cinematográfico, un filme esencial para los fanáticos del personaje. La idea es contar los orígenes del universo Beatle antes de que el grupo cambiara el mundo del rock and roll.
Concluimos que la película refleja la importancia de un amor maternal como el caso de John y su madre biológica Julia, sin abandonar a su tutora Mimí. La exploración de los lazos familiares, de las rabias y los egos que muchas veces amenazan con destruirlos.
Por Guido Rodriguez
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“El Potro, lo mejor del amor”
Esta película, catalogada como drama, cuenta la vida del cantante popular Rodrigo Bueno. La misma es de la directora Lorena Muñoz, quien ya había incursionado en el mismo estilo a través de la película “Gilda”.
Si bien se deja en claro que es una biografía autorizada y que el relato está inspirado en hechos reales, la misma carece de elementos polémicos -que se conocen de la vida del cantante-, lo que hace que la respetuosidad hacia el relato mismo de la historia tenga toques de aburrimiento.
Se desglosa claramente la vida familiar de la vida pública. En la primera, los conflictos familiares se desgranan con el correr del relato. En cuanto a la segunda, la misma está signada por los excesos. En cuanto a éstos son el punto de conflicto en el relato dado que hay una contraposición entre el ascenso social y el descenso personal: mujeres y droga son las tentaciones que encuentra en Buenos Aires y lo hacen tomar distancia de su familia. Cabe aclarar que sólo se muestra explícitamente al hombre mujeriego, pero el adicto a las drogas está sugerido, incluso como adicto ocasional. El alcohol también está presente. Todo transferido en sus canciones: encuentros prohibidos, pasión, fernet, birra.
Es una película que, seguramente para sus admiradores, tenga gusto a poco, tal vez debido a ese horizonte de expectativas que pueden tener esos fans que transformaron a Rodrigo Bueno en un mito en el que no se puede distinguir lo real del imaginario social. En síntesis, quienes hayan visto lo que generaba Rodrigo en los ´90 y lo público y expuesto que estaba, tal vez, tengan un dejo de decepción. No hay nada nuevo, salvo algunos detalles que se presumían sobre drogas y mujeres.
Sí es destacable el minucioso recorrido por todos los temas del cantante que, sin lugar a dudas, marca un dejo de nostalgia de ese personaje que, a toda pasión, dejó lo mejor de sí en el escenario.
Por Federico Ruiz Montes de Oca
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Ray Charles: entre el éxito y el racismo
¿Cómo se ve representado el racismo y la desigualdad social de Estados Unidos en la película?
Durante los años 60’s y 70’s, Ray Charles Robinson tuvo su esplendor en la música, superó todo tipo de adversidades: el hecho de ser muy pobre, ser ciego, y ser negro en una sociedad totalmente discriminadora. Nada le prohibió llegar a la gloria. Pero no la tuvo fácil, supo escalar en un contexto completamente difícil para la gente de color.
Ray es una película dirigida por Taylor Hackford, estrenada en el año 2004. Cuenta la biografía de Ray Charles, un músico de soul, blues y country, interpretado por Jamie Foxx. Su duración es de 152 minutos, y consiguió el Óscar al mejor actor principal y al mejor sonido. En el film también participan: Sharon Warren como Aretha Robinson (la madre de Ray Charles). Kerry Washington como Della Bea Robinson. Regina King como Margie Hendricks. Renee Wilson como Pat Lyle, y Larenz Tate como Quincy Jones.
El racismo y la desigualdad social en este film se ve representado como una barrera constante a la que el protagonista tiene que enfrentar para superarse y alcanzar sus objetivos, así como también un sistema que divide y enfrenta a la sociedad. Al finalizar la película el músico habrá logrado el éxito comercial que estaba buscando, pero las batallas que tuvo que dar le dejarán una gran marca en su vida. Terminando internado por una gran adicción a la heroína y otras drogas. La desigualdad y el racismo es algo real, es algo fuerte que marca a las personas y que modifica sus vidas.
En una escena se ve como Ray Charles viajaba en un colectivo en donde solo podían viajar sentadas las personas blancas. Hay que recordar que durante esta época esas situaciones eran normales. Había incluso baños para blancos, y baños para negros. Podemos vincular esta situación de la película con el famoso caso de Rosa Parks. El 19 de marzo de 1956 Rosa Parks, una afro descendiente norteamericana que viajaba en un colectivo donde las leyes estatales obligaban a la gente de color a darle el asiento a las personas blancas si éstas lo pedían, se niega a hacerlo en protesta a la segregación racial. Dos meses después la detienen en el calabozo, le dan una paliza, y la multan por no ceder su asiento. Lo que genera un gran movimiento sin precedentes, en Alabama, y en Estados Unidos.
Otro escena en donde vemos la barrera que representaba el racismo y la desigualdad social es en el recital que “Ray Charles and his Orchestra” estaba a punto de dar en Georgia. El protagonista va caminando con su representante hacia el lugar y se hace eco de una protesta social que había en la puerta del lugar. Uno de los manifestantes habla con Charles y le dice: “Tú sabes que solo está permitido entrar para gente blanca. Tú puede cambiar esto”. A lo que Ray, luego de negarse, termina aceptando el pedido del manifestante, y se vuelve al autobús, cancelando su show. Ahí comienza una puja entre ABC-Paramount y el artista ya que el estado de Georgia era uno de los más redituables. Los shows luego se expandirán hacia toda Europa. Pero algunos no se lo perdonarán.
La denuncia hacia el racismo como sistema que divide y enfrente a la sociedad no solamente se ve en este film. Jammie Fox, protagonista de Ray, dijo en septiembre de este año: “Hay que terminar con el siniestro trasfondo racista del sistema judicial de Estados Unidos”. En el marco de la presentación de una película en el festival de cine de Toronto. El actor encarna también en su nueva película, Just Mercy, un nuevo desafío: el de visualizar el racismo en las instituciones. La película relata la historia real de un hombre negro condenado a muerte en el estado de Alabama, en 1988 por un delito que no cometió, matar a una joven blanca.
Por definición el racismo es: una ideología que defiende la superioridad de una raza frente a las demás y la necesidad de mantenerla aislada o separada del resto dentro de una comunidad o un país. El racismo en Estados Unidos fue muy fuerte, sobre todo luego de la Guerra de le Secesión, en donde dos modelos de país se enfrentaban. La Unión (Estados leales al Gobierno y a su Constitución), y los Estados Confederados (11 Estados que se revelaron y querían imponer la esclavitud en todo el país). Las condiciones de producción de éste tipo de discurso eran posibles por la gran tradición de esclavitud que imperó en Estados Unidos. Fue muy fuerte en los Estados del sur, como vimos anteriormente: Alabama, Georgia, Carolina del sur, Texas, etc. Aquí el crecimiento agroexportador fue alto. Grandes campos exportaban y producían innumerables cantidades de materia prima. Pero estos campos no eran trabajados por sus dueños, sino por sus esclavos. Los esclavos eran tratados como una “cosa”, es decir, como una propiedad. Esto facilitaba las grandes cosechas y el crecimiento económico, a nulo costo laboral. Al abolirse la esclavitud luego de la guerra de la secesión (1985), comienzan a aparecer grupos como el Ku Klux Klan, gente blanca que sostenía la supremacía de su raza, y torturaba y mataba gente de color. Doscientos años de esclavitud marcaron en Estados Unidos de América una época de racismo.
Podemos concluir en que la esclavitud es una barrera y una limitación, tanto para el protagonista como para la sociedad. Un sistema que los divide y los enfrenta. El protagonista debe superar la pobreza, y su ceguera. Pero además debe cancelar un show por la desigualdad que viven sus compatriotas. La historia de Estados Unidos, y tantos años de esclavitud, dejó la marca del racismo que hoy tiene su sociedad. Lo podemos ver hoy en sus políticos, y también en filmes como éste. El racismo es desigualdad social, y debe superarse ya que todos nacemos iguales. Ésta es la clave para tener una sociedad más igualitaria.
Gastón Sánchez. Periodista.
Mirá el trailer de la película acá:
Óscar a Jamie Foxx como mejor actor por la película Ray.
“8 Mile”: la calle de la marginalización
¿Cómo se representa en la película al rap y su relación con la sociedad de Detroit?
“8 Mile” repasa la juventud del rapero Eminem, y sus primeros pasos en el rap en Detroit. Ambientada en 1995, se muestra como un joven apodado Bunny Rabbit. Él trabaja en una fábrica metalúrgica y forma parte del grupo de rap “313”, llamado así por el código de área de la ciudad. Entre escenas que denotan la ausencia del Estado, y la marginalidad de los suburbios de Detroit, Bunny Rabbit compone verso a verso la canción “Lose Yourself”.
La película no solo se centra en la búsqueda artística de Eminem. “8 Mile” es el nombre de la calle que divide a Detroit de su extrarradio (los suburbios). Allí vive Bunny Rabbit en un trailer alquilado con su madre. Y también viven los miembros del “313”, luchando por sobrevivir en un área de delincuencia y pocas oportunidades, e intentando ganarle el escenario a la otra banda de rap: “Leaders of the Free World” (Líderes del Mundo Libre).
El rap es un mecanismo de protesta al cual recurren los personajes para denunciar la desigualdad a la que están sometidos. El rap y la ciudad coexisten: crean una cultura subalterna en Detroit, en contra del Estado y su capitalismo moderno.
Nach, un rapero y sociólogo español, define al rap como “un tipo de poesía muy visceral, muy auténtico, que se rebela contra todas las normas, y eso hace que los raperos tengan cosas que decir de una manera muy directa”.
En Detroit, el rap surgió para rebelarse contra un sistema en derrumbe. Es que Detroit es probablemente la ciudad estadounidense a la que más se le dio la espalda en la consolidación moderna del país. En la película, los personajes son sujetos marginales que pretenden subsistir en una ciudad que es un fantasma de su gran esplendor en la década de los 50’ con la fábrica Ford.
Hacia 1995, Detroit ya había sufrido varios golpes duros, como el traslado de varias fábricas automotrices hacia los estados del sur, que pasaron por un proceso de desregulación y políticas antisindicales que atraían al capital. Además, los sacudones en el precio del petróleo en la crisis de los 70, y la Guerra del Golfo en los 90, bajaron dramáticamente las ventas de automóviles. Así, la ciudad se muestra como un lugar con pocas oportunidades, con un extrarradio con casas abandonadas donde solía haber familias exhibiendo su auto Ford con orgullo. En Detroit, las miradas apuntan hacia un escape a donde haya futuro. Éste es el caso de Alex, la novia de Bunny Rabbit, que sueña con ir a Nueva York y poder triunfar.
Bunny Rabbit sabe que convertirse en Eminem es la única forma que tiene para progresar en una ciudad que no da garantías a sus habitantes. En varias escenas, se muestra que a pesar de que cuenta con el sueldo de la fábrica metalúrgica, su familia siempre está atrasada con el pago de la renta. Rapeando con su amigo Future, expresa que sabe que solo así podrá salir del “trailer en el que vive con su madre”. Y en la canción “8 Mile” lo repite, destacando que “es la única forma” que conoce “para escapar” de esa calle.
La banda del “313” está convencida de que su única salida es a través del rap. Los vestigios de la industria automotriz están lejos de revivir, y cada vez hay menos lugares para la gente de Detroit. Esto también se puede ver en el libro Off the Road (2016), de Andy Robinson, en el que recorre Estados Unidos. En el capítulo de Detroit, “La Motown Desahuciada” muestra como el último acercamiento a la ciudad fue el de la industria cinematográfica, pero lejos de intentar producir. Aprovecharon para filmar películas apocalípticas en los paisajes desolados del extrarradio, y a través de los remates de apenas algunas decenas de dólares por las casas abandonadas. Para la sociedad, no ingresa ni dinero ni puestos de trabajo.
Desde el rap, en la película se denuncian estas situaciones de desigualdad. Un ejemplo es la escena en que Vanesa, una trabajadora de la fábrica metalúrgica, rapea mientras hace la fila para comprar comida escasa y de mala calidad en un camión. Dice estar “enferma y cansada de trabajar”, y denuncia que solo tienen “30 minutos para almorzar” y que su “cuerpo duele para ganar solo un dólar”. “Debí reportarme enferma”, finaliza con impotencia. La falta de garantías para la sociedad de Detroit genera esta impotencia en la gente, que también se refleja en la canción “8 Mile”: “A veces pienso en renunciar, incluso podría: ¿Para qué sigo luchando?”.
8 Mile, además, muestra que la impotencia y enojo de los personajes no es generalizado, sino que está especialmente dirigido hacia el Estado ausente. En una escena, se menciona una violación que ocurrió en una de las casas abandonadas del extrarradio. Los integrantes del “313”, con indignación, expresan que “no hubiera pasado del otro lado de 8 Mile”, donde hay presencia policial, y no existe esa situación de abandono.
En otra escena, el enojo hacia las autoridades estatales es más notorio. La banda del “313” pasea en auto disparando balas de pintura. Pero Bunny Rabbit espera antes de hacerlo. Solo dispara hacia un patrullero. Esto se asemeja al término “iconoclasia laica” de Daniel James, con el que denomino a la forma burlona de cuestionar instituciones, normas y símbolos que “cumplen la función social de transmitir y legitimar la riqueza y el prestigio social”. En este caso, la policía, que no está presente en el extrarradio, representa la ausencia del Estado y la desigualdad social que eso conlleva, que impregna de enojo a los personajes.
Este enfado es muy notorio en los raps de Bunny Rabbit y el “313”. Incluso, como la banda rival tiene el nombre ficticio de “Leaders of the Free World”, los lleva a gritar varias veces “fuck the Free World (que se joda el Mundo Libre)”, que es como se conocía a los países capitalistas alineados a Estados Unidos durante la Guerra Fría. Así, instalan la idea de que ese sistema es el culpable de la miseria en la que Detroit y su sociedad se han hundido.
En la película, queda claro que a pesar de que el rap se hizo de consumo masivo, y se ha comercializado, sigue representando el sentimiento de denuncia y protesta de las clases bajas, como en su origen. Y aunque se haya globalizado, aún se conserva esa esencia. Así se ve en Argentina, en un artista como Wos, que días antes de las elecciones PASO de este año, sacó su tema “Canguro”. Allí manifestó que no le “hablen de meritocracia”, “que sin oportunidades esa mierda no funciona”, haciendo referencia a un discurso asociado comúnmente al macrismo, y en medio de la crisis económica y social acarreada desde 2018.
Este es un caso que demuestra que en el rap se conserva ese tono de denuncia. Aunque Eminem haya alcanzado la fama mundial en 2002, cuando se filmó “8 Mile”, parte de su discurso todavía era el de un muchacho que vivía en un tráiler en el extrarradio de Detroit, y que estaba harto de la falta de oportunidades en su sociedad.
Así, “8 Mile” no solo repasa los humildes orígenes del rapero Eminem. Muestra cómo impactó en la sociedad de Detroit la ausencia del Estado, y cómo su gente se vio empujada hacia la marginalización. Y, ante la falta de oportunidades, demostró cómo el rap llenó el vacío de esa sociedad, y canalizó sus denuncias de su situación de desigualdad.
Por Luciano Carugo
Mirá el trailer acá:
Escuchá la canción «8 Mile» de Eminem:
Amor al sexo y las drogas
¿Porqué se vincula la vida de un artista con las drogas y el sexo?
Las sociedades fueron adaptando más las ideas de la revolución sexual de los años 60’, desmoronando las ideas conservadoras, he incorporando nuevas prácticas sexuales. Uniéndose a esto la experimentación de las drogas en una época que venía sometida por tabúes.
‘Bohemian Rhapsody’ la película dirigida por Bryan Singer fue estrenada en 2018, trae a la pantalla la historia de Queen una banda británica formada en 1970 en Londres por el cantante Freddie Mercury, considerada una de las más influyentes en el desarrollo del rock. El director busca mostrar la experiencia artística de los músicos vinculados con los excesos de una época de “sexo psicodélico” combinando la revolución sexual animado por las drogas.
La sexualidad es todo lo que nos rodea y la revolución sexual trajo consigo el auge de la contracultura de las ideas conservadoras de la clase burguesa. Este film plantea el extremo de los excesos de una vida de lujuria y sexualidad, dejando secuelas irreversibles en la vida como la muerte, por enfermedades como el VIH.
El consumo de las drogas recreativas se manifiesta hoy en día con mayor soltura en muchas ciudades del mundo, incluso la legalización de la misma es cada vez más común. La vinculación entre las relaciones sexuales y las drogas tiene sus inicios desde el auge sexual de los 60’, sumado a esto nuevos tabúes que ya no era por la liberación del ser, sino por el surgimiento de enfermedades de transmisión sexual.
El film es ambientado en la época de los 70’ y muestra el nacimiento de una banda que se posiciono en las número uno de su época, y sus canciones siguen siendo escuchadas. Asimismo se observa como el ascenso a la fama llevo a sus integrantes, en especial a su líder Freddie Mercury, al descontrol de una vida exitosa.
El rock es sin duda un autentico fenómeno de masas, en los años 70 los ideas hippies se establecían como movimiento iniciado en los 60, la idea de “amor libre” se vinculada a la música. El director de ‘Bohemian Rhapsody’ muestra la esencia en si misma del artista fallecido como si encarnara en su protagonista Rami Malek.
Durante el film se observa como Mercury empieza a llevar una vida de fiestas, de promiscuidad alejándolo de la vida real, la decadencia del artista es un claro ejemplo de lo que ha pasado durante décadas en la industria musical.
La relación de música y drogas parece ser más normal desde hace décadas y en las sociedades contemporáneas. El uso de la drogas y el sexo se vincula a la vida de los artistas .Un caso es de The Doors, donde Jim Morrison comienza a teorizar sobre el uso de las drogas para ampliar la percepción. El uso de las sustancias era visto como común en los artistas, pues Morrison aludía a que estas sustancias ayudaban en muchos aspectos en su trabajo.
Por otra parte la sexualidad se ha manifestado por todo el mundo y cada vez existen mayores movimientos que aluden a la liberación sexual, y lo vemos en marchas de LGTBI en todo el mundo y artista contemporáneos que se manifiestan como Demi Lovato en su videoclip Really Dont’ Care.
Con el surgimiento de la sexualidad libre, comienzan otros nuevos tabúes, la idea de la homosexualidad vinculada al VIH/ sida. Durante el film el director muestra la época final del líder de la banda Queen, a causa de una enfermedad que desde los años 80 alarmó al mundo, y que hoy en día mantiene fuertes estigmas sociales y la vinculan a la promiscuidad, aunque se sabe nadie queda exento de adquirir la enfermedad.
La trama aborda el tema del VIH como un impulso para el artista de retomar sus amistades y mantener un perfil bajo durante casi diez años con la prensa, dado la fuerte negatividad que obtendría. Sin dejar la música a un lado, se muestra hasta el último momento a Mercury cantando y bailando. Es importante reconocer que el film apunta al final a la necesidad de los gobiernos de hacer dar mayor apoyo a los enfermos, pues en esa época eran desahuciados y contaban con poco apoyo. Queen se convirtió en uno de los rostros contra el VIH.
Si bien se relaciona a la bandas de rock con sexo y drogas, incluso hoy en día esa idea sigue en vigencia. Muchos artistas llevan vidas de excesos y abuso de las drogas hasta la autodestrucción. Freddie Mercury encabeza una larga lista de famosos que fueron marcados por estas sustancias y la película ‘Bohemian Rhapsody’ expone una atenta mirada a los excesos que pueden causar la muerte, y es un hecho el abuso de las drogas, no puede terminar en nada bueno.
Por Brendy Briceño
Mirá el trailer de Bohemian Rhapsody:
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